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Extrait du conducteur

Titre	Spaceflight (A Rocket Ride)
Référence article	4119067
Catégorie	Harmonie/Fanfare/Brass-band
Sous-catégorie	Musique de concert
Instrumentation	Ha (orchestre d'harmonie)
Format/Umfang	PrtStm (partition et pièces)
Pays de publication	Autriche (at)
Editeur *	OrchestralArt Music Publication
Référence article / fournisseur *	ORCH 1226
Année de publication	2024
Prix	cliquer ici
Compositeur	Moitzi, Florian
Niveau	1
Durée	4:50
Informations complémentaires/contenu	« Spaceflight » décrit musicalement un voyage dans l’espace. La première section, « Préparation », concerne les préparatifs du vol et l’entrée des astronautes dans la fusée. Cette partie est jouée maestoso et en plus des valeurs de notes plus longues, les croches staccato peuvent également recevoir un accent. Deux accords espacés d'une seconde (ici si majeur et la bémol majeur) dominent cette partie et apparaissent encore et encore tout au long de la composition. À partir de la mesure 9, une mélodie passionnée et calme retentit, qui peut éventuellement être jouée en solo par une trompette. Cette courte section représente, d'une part, le rêve de l'espace et, d'autre part, la mélancolie du départ de la Terre. Lorsque la fusée décolle dès la mesure 19, plusieurs joueurs doivent compter à rebours à haute voix de dix à zéro. Il est également possible qu'une seule personne assume cette fonction, munie d'un microphone ou d'un mégaphone. Dans la partie calme « Misterioso » à partir de la mesure 59, le flottement libre et en apesanteur s'exprime musicalement avec un accord de cluster différent. À partir de la mesure 60, un tube à pleurs est utilisé. La longueur de celui-ci (c'est-à-dire le pas) n'a pas d'importance. Le glockenspiel doit répéter la phrase spécifiée plusieurs fois à un tempo libre jusqu'à la mesure 65 incluse. Il est important de veiller à ce que les notes ne soient pas jouées trop rapidement. Il n'est pas nécessaire que les informations de hauteur pour l'accord de cluster des verres à vin soient mises en œuvre avec précision. Ce n'est qu'une suggestion, car l'effet fonctionne également avec d'autres tons. Les joueurs doivent tracer les bords des verres à vin remplis différemment avec un doigt humidifié jusqu'à ce qu'un son se fasse entendre. Le nombre de verres doit être choisi de manière à ce que le son ne soit pas trop intrusif, mais néanmoins perceptible. En option, au lieu d'utiliser des lunettes, vous pouvez jouer la note correspondante sur le solo de l'instrument concerné. Mais il est aussi envisageable de générer le son uniquement avec le piano électrique ou le synthétiseur. La respiration collective de la barre 61 est destinée à indiquer les bruits respiratoires des astronautes dans la combinaison spatiale. Il est important que les joueurs respirent ensemble au signal. Les sons individuels du glockenspiel sont très silencieux et peuvent être joués relativement lentement. La dernière section « Atterrissage » doit être interprétée avec joie. La mélodie passionnée du début du morceau est désormais accompagnée d'un rythme rock simple et de trompettes en forme de fanfare. La partie décrit l'achèvement d'une mission réussie, les hauteurs descendantes de la barre 99 symbolisant l'atterrissage.
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Disponible	oui
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Programme notes *: Vol spatial en musique : Un voyage à travers le son et l'espace Le terme « vol spatial » décrit en fait un voyage dans l’espace, mais en musique, il est souvent interprété comme un voyage métaphorique à travers des mondes sonores. La fascination pour les voyages spatiaux et l’univers inspire depuis des décennies les compositeurs et les musiciens à créer des œuvres qui emmènent l’auditeur dans un voyage de découverte sonore. Dès le début du XXe siècle, la musique s’inspirait de l’espace. Un exemple est « Les Planètes » de Gustav Holst (1914-1917), dans lequel des propriétés musicales sont attribuées à chaque planète. Même plus tard, à l’époque de la « course à l’espace », les voyages spatiaux ont influencé la musique et la culture pop. « Space Oddity » (1969) de David Bowie, inspiré de l'alunissage, aborde la solitude d'un astronaute dans l'espace et reflète le désir humain d'inconnu. Avec l’émergence de la musique électronique dans les années 1970, de nouveaux sons futuristes ont été développés, parfaitement adaptés au thème du voyage spatial. Kraftwerk, pionnier de la musique électronique, a abordé le lien entre l'homme et la technologie dans des œuvres telles que « The Man-Machine » (1978). « Oxygène » (1976) de Jean-Michel Jarre crée également une atmosphère musicale rappelant l'apesanteur de l'espace. La musique électronique est particulièrement adaptée pour représenter des thèmes spatiaux. Les synthétiseurs et les effets électroniques créent des sons qui reflètent la sensation d'immensité, d'isolement et d'inconnu dans l'espace. La musique de Kraftwerk est souvent décrite comme une « musique créée par la science-fiction » en raison de son esthétique futuriste. Une œuvre formatrice dans ce domaine est « Oxygène » de Jean-Michel Jarre. L'album combine des sons synthétiques et de vastes harmonies sphériques qui véhiculent une sensation d'apesanteur et d'infini. Cette musique plonge l'auditeur dans un voyage acoustique à travers l'espace et le temps. La musique de film a contribué de manière significative à la représentation de l’espace. "2001 : L'Odyssée de l'espace" de Stanley Kubrick (1968) et "Star Wars" de John Williams (1977) ont notamment façonné l'image musicale du voyage dans l'espace. Les compositions épiques de Williams pour Star Wars capturent l'aventure et l'immensité de l'espace et sont gravées dans la mémoire culturelle. La musique des jeux vidéo est aussi souvent dédiée à l’espace. Des jeux comme « Mass Effect » ou « No Man's Sky » s'appuient sur des bandes sonores qui soulignent de manière atmosphérique l'immensité et la solitude de l'univers. Dans ces jeux, la musique est utilisée pour attirer le joueur dans le monde lointain et inconnu de l'espace et renforcer la profondeur émotionnelle de l'aventure. Le thème du voyage spatial continue d’être exploré dans la musique moderne et expérimentale. Brian Eno, par exemple, a sorti l'album Apollo : Atmospheres and Soundtracks en 1983, écrit pour un documentaire sur la mission Apollo. Les sons minimalistes d'Eno véhiculent une sensation d'apesanteur et d'infini associée à l'espace. Un autre exemple innovant est le projet « Symphonie des planètes », dans lequel les ondes électromagnétiques des sondes spatiales ont été enregistrées et converties en son. Ces sons, provenant de planètes et autres corps célestes, ouvrent une toute nouvelle perspective sur la représentation musicale de l'espace. Le vol spatial comme métaphore musicale Dans de nombreux cas, « Spaceflight » est utilisé métaphoriquement dans la musique pour explorer des thèmes plus larges. Le voyage dans l’espace symbolise la quête humaine de connaissance, le désir d’inconnu et l’abandon du familier. "Space Oddity" de David Bowie et "Rocket Man" d'Elton John sont des exemples de chansons qui utilisent le voyage dans l'espace comme métaphore de la vie humaine et des questions existentielles. Musicalement, de nombreuses œuvres traitant de l’espace créent un paysage sonore vaste, ouvert et sans limites. Ce type de composition contribue à exprimer l’infinité de l’univers et les sentiments associés de solitude, de liberté et de respect. « Spaceflight » en musique va bien au-delà de la simple représentation du voyage dans l’espace. C'est une expression artistique pour la poursuite de l'inconnu, l'exploration de nouveaux mondes sonores et l'examen des limites de l'humanité. Des premières œuvres orchestrales à la musique électronique en passant par la musique de film et les compositions expérimentales, le thème du voyage spatial est une source d'inspiration constante, encourageant les musiciens à explorer sonorement l'immensité de l'univers et les profondeurs de l'existence humaine. Quelle/Source: musicainfo.net (KI) Information: OrchestralArt

	Format/Umfang
	Spaceflight (A Rocket Ride) (orchestre d'harmonie), partition et pièces
	Spaceflight (A Rocket Ride) (orchestre d'harmonie), partition

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